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11-d. IL RINASCIMENTO

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11-d. IL RINASCIMENTO
RINASCIMENTO - d
prof.ssa Emanuela Pulvirenti
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11-d. IL RINASCIMENTO
CORSO DI DISEGNO E STORIA DELL’ARTE classe III
RINASCIMENTO - d
prof.ssa Emanuela Pulvirenti
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MICHELANGELO BUONARROTI
Scultore, pittore, architetto e poeta, Michelangelo è stato un grande artista di una grande epoca.
La sua città natale, Caprese, dove Michelangelo
nacque il 6 marzo 1475, era un piccolo villaggio
che apparteneva alla vicina città-stato di Firenze.
Andò a studiare a Firenze, ma i suoi interessi
erano concentrati sull’arte e non sullo studio.
Quando aveva solo tredici anni cominciò a frequentare il “Giardino di San Marco”, una sorta di
museo-laboratorio nel quale Lorenzo il Magnifico
teneva un gran numero di opere classiche che gli
apprendisti copiavano.
Michelangelo, che fu presto preso sotto la protezione di Lorenzo, realizzò anch’egli copie di quegli antichi modelli ma anche schizzi da Giotto e
Masaccio due maestri del volume delle forme.
video sulla biografia di Michelangelo
Schizzo dalla “cacciata del progenitori” e dal “tributo” di Masaccio
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Michelangelo, tuttavia, si sentiva soprattutto uno scultore, anche quando dipingeva o realizzava architetture.
La sua poetica nasceva proprio dal concetto di copia:
quando disegna sulla carta, l’immagine che sta delineando esiste già nella realtà del dipinto o della scultura che lui sta copiando.
Così quando scolpisce il marmo egli lavora come se la
figura esistesse già dentro il blocco e lui dovesse solo
rimuovere l’eccesso di materiale per liberare le forme.
Michelangelo usava dire in proposito:
“Io intendo scultura quella che si fa per forza di levare: quella che
si fa per via di porre, è simile alla pittura.”
“Non ha l’ottimo artista alcun concetto ch’un marmo solo in sé
non circoscriva col suo soverchio, e solo a quello arriva la man che
ubbidisce all’intelletto.”
Come nella filosofia neoplatonica Michelangelo pensava che l’ “idea” fosse prigioniera della materia e il suo
sforzo di liberarla rappresentasse la lotta tra l’uomo e il
suo destino.
Prigione
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Nel 1496, pochi anni dopo la morte di
Lorenzo il Magnifico, Michelangelo andò
a Roma.
Qui ebbe modo di conoscere meglio l’arte classica e due anni dopo realizzò la
Pietà, un gruppo scultoreo che rappresenta la Vergine Maria mentre tiene sulle ginocchia il corpo del figlio morto, in
una perfetta composizione piramidale.
Pietà, 1498-99 , San Pietro, Roma.
video sulla Pietà
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Le scultura è conservata oggi all’interno della Basilica di San Pietro, subito
a destra dell’ingresso principale.
È protetta da un vetro di sicurezza da
quando nel 1972 Laszlo Toth, un geologo australiano-ungherese affetto da
problemi psichici, saltò sulla balaustra
della cappella brandendo una mazza
e urlando “Io sono Cristo, risorto dai
morti!”.
Il suo assaltò provocò la frattura del
braccio sinistro di
Maria, del naso,
del velo e della
palpebra sinistra,
lasciando la Madonna seriamente
sfigurata.
visita virtuale alla cappella della Pietà
Cappella della Pietà in San Pietro
L’atto vandalico compiuto sulla Pietà nel 1972
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Il tema iconografico della Pietà (il corpo di Cristo sulle gambe della Madonna dopo la crocifissione) è di origine nordica, molto popolare a quei tempi in Francia ma non in Italia.
Nella tradizione straniera i due personaggi hanno una posizione rigida e non costituiscono una vera unità.
L’interpretazione di Michelangelo è del tutto originale e innovativa: Maria e Gesù sono
uniti in modo molto naturale come se la madre stesse cullando il figlio.
Perugino, 1483-1493
Pietà tedesca, XIV secolo
Pietà nordica, 1420
Giovanni Bellini, 1505
Michelangelo, 1498
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Nella Pietà di Michelangelo la Vergine Maria ha lo stesso abito, con gli stessi panneggi di
quella di Leonardo.
Sulla fascia che passa sul petto della Madonna, Michelangelo appose la sua firma con
l’iscrizione che recita “Michaelangelus Bonarrotus Florentinus. Faciebat”.
È l’unica opera autografata dall’artista.
Leonardo, Annunciazione, 1475
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I soggetti sono fortemente idealizzati: non si avverte violenza, dolore, tragedia ma solo
una perfezione divina. Cristo ha un bellissimo corpo, Maria sembra essere giovanissima
(anche se alla morte di Cristo avrebbe dovuto essere prossima ai 50 anni). Questo perché
i loro corpi sono incorruttibili perché privi di peccato.
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Michelangelo scolpirà altre Pietà nella sua lunga carriera, tutte molto diverse da quella
di San Pietro: la Pietà di Palestrina, realizzata nel 1555, nella quale la madre tiene il figlio
dalla schiena, aiutata dalla Maddalena; la Pietà Bandini, del 1557, dove appare la figura
di Nicodemo (un autoritratto dell’artista); e la Pietà Rondanini, scolpita dal 1561 fino alla
morte dell’artista il 18 febbraio 1564, dove madre e figlio sono di nuovo soli, un non-finito
emozionante e carico di Pathos.
Pietà di San Pietro, 1496
Pietà Palestrina, 1555
Pietà Bandini, 1557
Pietà Rondanini, 1561-1564
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Nel 1501 Michelangelo tornò a Firenze, dove cominciò a scolpire una delle sue creazioni più famose: il David.
L’eroe rappresenta la forza morale,
piena di “virtus” e mostra calma e
sicurezza di sè.
David è nudo, come una statua classica.
E classica è anche la composizione:
è possibile, infatti, osservare il chiasmo (detto anche “ponderazione”)
che consiste nell’equilibrio ottenuto dall’incrocio tra gamba destra e
braccio sinistro portanti e gamba
sinistra e braccio destro rilasciati
(esattamente come nella scultura
greca classica rappresentata dal Dorìforo di Policleto).
video sul David
Policleto, Doriforo, 450 a.C.
Michelangelo, David, 1501-1504
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Peter Paul Rubens
L’eroe sta decapitando il
gigante tenendo ferma la
testa con il piede
1630
Il giovane eroe, emergente dall’oscurità,
mostra la testa di Golia
1623
L’eroe è rappresentato mentre sta per tirare la pietra.
L’effetto è molto dinamico
1609
Il giovane David sta pregando
dopo la decapitazione di Golia. Il
gigante è interamente visibile
Gian Lorenzo Bernini
1600
Caravaggio
1542
Il giovane uomo è dipinto su uno
scudo come un atleta. La testa di
Golia è sotto i suoi piedi
1500
Tiziano Vecellio
1450
1400
Andrea del Castagno
Michelangelo
L’eroe sta riflettendo prima di
lanciare la pietra. C’è equilibrio
classico e posizione statica
1501
Verrocchio
David, vestito, è
molto snello ed
elegante
1472
Donatello
Il ragazzo, nudo, ha appena ucciso Golia, la cui testa giace per
terra, e tiene in mano la spada
1440
Iconografia del David
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La fronte di David è corrugata perché si sta concentrando sul suo nemico (lui non è ancora il vincitore, la testa
di Golia non è ai suoi piedi).
Le sue mani sono più grandi del normale perché sono lo
strumento della ragione.
Per le sue qualità morali David rappresenta i princìpi di
libertà e indipendenza tipici del popolo fiorentino.
La statua era originariamente posta davanti a Palazzo
Vecchio, dove oggi se ne trova una copia, mentre un’altra copia è collocata a piazzale Michelangelo.
Copia davanti
Palazzo Vecchio
Copia in bronzo in
piazzale Michelangelo
L’originale presso la
Galleria dell’Accademia
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Nello stesso periodo Michelangelo dipinse il “Tondo Doni”, opera che rappresenta la Sacra Famiglia. In secondo piano il Battista fanciullo
e alcuni battezzandi. La forma dell’opera è
piuttosto inconsueta (il tondo era in genere
un “desco da parto”), così come la posizione dei personaggi: le tre figure sono
unite insieme da un movimento a spirale, la cosiddetta linea serpentinata.
Tondo Doni, 1504, Galleria degli Uffizi, Firenze
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Le figure sono particolarmente tridimensionali e
plastiche. Il colore, vivace e brillante, è usato
per dare volume (Michelangelo d’altra parte
considerava la pittura come la scultura).
Il contorno ben definito con l’uso della
linea (al contrario della poetica leonardesca) stacca le figure dallo sfondo e ne
enfatizza la solidità. Leonardo rimprovererà a Michelangelo l’eccesso di muscolatura dei suoi personaggi che li faceva
somigliare a un “sacco di noci”.
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Dietro i tre personaggi sacri c’è il piccolo Giovanni
il Battista e alcuni “ignudi” che attendono di essere battezzati appoggiandosi ad un parapetto curvo oltre il quale si apre una porzione di
paesaggio la cui profondità è resa attraverso la prospettiva cromatica.
Nella prospettiva cromatica, come in
quella atmosferica, ciò che è lontano assume tonalità bluastre ma, a differenza
della seconda, manca l’effetto di sfocatura che Leonardo utilizzava sempre.
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Nel 1508 papa Giulio II chiese a Michelangelo di dipingere la volta della Cappella
Sistina a Roma.
Il lavoro era enorme: una
superficie di 800 mq da
affrescare con le storie dell’Antico Testamento (dal
libro della Genesi in particolare), Sibille e Profeti.
Lavorò completamente da
solo e ininterrottamente
per quattro anni, creando
uno dei più grandiosi patrimoni dell’umanità di tutti i
tempi.
video sulla Cappella Sistina
Cappella Sistina, 1508-1512, Roma
link alla visita virtuale della Cappella Sistina
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La Cappella Sistina deve il suo nome al
papa Sisto IV della Rovere (pontefice
dal 1471 al 1480) che fece restaurare la
vecchia Cappella Magna tra il 1477 e il
1480.
Pietro Perugino, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio e Cosimo Rosselli affrescarono
le pareti mentre sulla volta fu dipinto un semplice cielo stellato.
Giulio II della Rovere , nipote di Sisto IV e papa dal 1503 al 1513, decise di eliminare tale
decorazione dando nel 1508 l’incarico di affrescare la volta a Michelangelo.
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Michelangelo divise la volta in settori delimitati da elementi architettonici; questi,
e gli “ignudi” sono aggettanti rispetto alle
scene, immaginate al di là della struttura.
La molteplicità di livelli crea l’effetto di un
immenso altorilievo.
link descrizione della volta
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Le scene della Genesi iniziano con la separazione del buio e della luce e terminano con
l’ubriachezza di Noé, sebbene Michelangelo le dipinse in ordine inverso.
Le prime scene che affrescò erano molto drammatiche e affollate di personaggi, mentre
le raffigurazioni successive mostrano una sintesi ed un equilibrio perfetti.
Nella creazione di Adamo (scena divenuta icona dell’arte e più volte ripresa e reinterpretata) Dio con i suoi angeli arriva dalla destra e dà vita all’uomo toccandogli la punta del
dito in uno dei gesti più intensi e carichi di significato di tutta la storia dell’arte.
particolare del Diluvio universale
Creazione di Adamo
link alle reinterpretazioni della Creazione
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Ogni personaggio è un eroe: sebbene sappia che non può vincere contro il suo destino,
continua a lottare obbedendo ad un imperativo morale.
Per questo motivo sono rappresentati con un corpo forte e vigoroso, una decisa linea di
contorno e la torsione del corpo a linea serpentinata: tutto ciò li rende statuari ed epici.
particolare di un ignudo
il profeta Giona
la Sibilla Delfica
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La torsione e il pathos dei personaggi di Michelangelo sono influenzati anche dalla famosa statua ellenistica di Laocoonte e i suoi figli,
scoperta a Roma nel 1506.
Lo stile di questa grandiosa scultura è vicino alla visione pessimistica
della vita che Michelangelo stava
sviluppando.
Egli infatti pensava che ogni uomo
abbia qualcosa di divino in sè, ma
che non possa raggiungere la perfezione perché non è perfetto egli
stesso.
La fede nella ragione umana tipica
del Rinascimento stava andando in
crisi.
Laocoonte e i suoi figli, copia romana di un originale in bronzo,
II secolo a.C.
Michelangelo, schiavo ribelle e schiavo morente, 1513
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Nel 1536, papa Paolo III Farnese decise di
ridisegnare il colle Capitolino, a Roma, trasformandola in una piazza civile monumentale.
Michelangelo progettò così l’attuale
piazza del Campidoglio (Capitolium),
uno dei più significativi contributi
mai realizzati nella storia dell’urbanistica.
Altare della Patria
Campidoglio
Fori imperiali
Colosseo
vista a 360° della piazza del Campidoglio
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Il colle Capitolino, il più piccolo tra i sette colli di Roma,
è la sede storica del potere
civile romano rappresentato
anche dall’archivio del Tabularium.
Tabularium
Era anche il centro del culto
di Giove Capitolino.
Tempio di
Giunone Moneta
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Tabularium
Tabularium
Tempio
di Giove
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Durante il Medioevo venne costruita sui resti del Tabularium romano di epoca tardo-repubblicana una
fortezza che sarà successivamente trasformata nel
Palazzo Sanatorio.
Tuttavia, intorno al 1536, il colle Capitolino era in pessimo stato: i palazzi erano fatiscenti, la piazza priva di
pavimentazione e i percorsi che salivano sulla collina
ripidi e fangosi.
Rovine del Tabularium romano
sul retro del Palazzo Sanatorio
La facciata principale del Palazzo Sanatorio
e la piazza del Campidoglio in epoca medievale
Sebbene nella piazza
e nei cortili dei palazzi campeggiassero
alcune statue antiche, dono di Sisto IV
al popolo romano,
queste non bastavano a ridare al colle
la gloria dell’antica
Roma.
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Per questo motivo Paolo III, che aveva
bisogno di un simbolo della nuova Roma
per impressionare Carlo V (che sarebbe
dovuto venire in visita nel 1538), chiamò
Michelangelo.
Il suo primo progetto, risalente al 1536,
mostra il ribaltamento del classico orientamento del Campidoglio verso il foro romano in modo da guardare adesso verso
la Roma papale e la basilica di San Pietro.
La realizzazione andò avanti lentamente
e con diverse interruzioni; poco era stato
realizzato prima della morte di Michelangelo nel 1564 ma il suo progetto originario
è stato rispettato grazie alle incisioni realizzate intorno al 1560 da Ètienne Dupérac
e i lavori vennero completati nel XVII secolo rispettando fedelmente le idee di Michelangelo.
Incisione di Dupérac
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Dipinto di Canaletto
La soluzione di Michelangelo
era radicale e straordinaria: i
tre palazzi ridisegnati (Palazzo
Sanatorio, Palazzo dei Conservatori e Palazzo Nuovo) chiudono uno spazio trapezoidale che
viene raggiunto attraverso una
lunga rampa detta “cordonata”.
Questa monumentale rampa
permetteva di salire a cavallo
fino alla piazza soprastante.
La leggera salita impediva ai
visitatori di raggiungere la
sommità troppo rapidamente
permettendo loro, invece, di avvicinarsi gradualmente e percepire via via l’aprirsi della piazza
davanti ai loro occhi.
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I tre palazzi furono ridisegnati con facciate nuove progettate da Michelangelo e, di conseguenza, mostrano una forte coerenza stilistica, combinando elementi classici e medievali
in un nuovo stile rinascimentale.
Michelangelo, in particolare, aggiunse degli enormi pilastri con capitello corinzio e un
alto basamento, che attraversavano due livelli (ordine gigante), fiancheggiati da colonne
ioniche nel portico del piano terra. Una balaustrata sormontata da sculture in cima all’ordine gigante chiude la composizione. Questa sarà una delle soluzioni di Michelangelo più
copiata nei secoli seguenti.
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Sia la piazza che la scala sono
trapezoidali,
espandendosi
entrambe verso il Palazzo Senatorio in modo da creare una
prospettiva rallentata che fa
apparire più largo e più vicino
il palazzo sullo sfondo.
La pianta a trapezio, inoltre,
risolveva in modo regolare la
presenza di un angolo preesistente di 80° tra il Palazzo
Senatorio e il Palazzo dei Conservatori: invece di cercare di
forzare il Campidoglio all’interno di un quadrato, Michelangelo accolse l’anomalia e ne
fece un punto di forza del suo
progetto.
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La pavimentazione ovale si inserisce
in modo armonico nello spazio trapezoidale.
Come il trapezoide, l’ovale è una forma
“imperfetta”, è l’anamorfosi di un cerchio, ma riesce ad enfatizzare l’asse
principale del Campidoglio.
Attualmente l’ovale presenta un disegno con una stella a 12 punte (come
nel progetto di Michelangelo), che non
era ancora stata realizzata fino ai restauri del 1940 voluti da Mussolini.
Tale ritardo era forse dovuto al fatto
che il papato considerava la stella una
reminiscenza dello zodiaco e, di conseguenza, un simbolo troppo pagano
per uno spazio che avrebbe dovuto
glorificare il potere papale.
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Fulcro della piazza è la statua equestre di Marco Aurelio, copia dell’unica scultura in bronzo originale di epoca romana (176 d.C.) sopravvissuta fino ai nostri giorni. Per secoli si
credette che raffigurasse Costantino, il primo imperatore cristiano, e questo la salvò dalla
distruzione.
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Nel 1506 ebbe inizio la ricostruzione della nuova basilica di San Pietro a Roma. Dopo l’alternarsi di diversi progetti di Bramante, Raffaello, Peruzzi e Antonio da Sangallo, nel 1546
papa Paolo III chiamò Michelangelo.
Egli riprese il primo progetto, quello di Bramante: una chiesa a pianta centrale basata su
una croce greca intorno alla quale Michelangelo disegnò un magnifico spazio con un perimetro esterno particolarmente scultoreo e una cupola gigantesca.
Tuttavia il suo progetto venne parzialmente modificato da Carlo Maderno che trasformò
la pianta centrale in longitudinale (rendendo
lontana e poco visibile la cupola, problema che
Bernini risolverà circa un secolo dopo).
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1505
La nuova pianta rinascimentale
è basata su una croce greca con
una cupola centrale
Baldassarre Peruzzi
La sua pianta è simile a quella
di Raffaello ma la forma è di
nuovo a croce greca
Realizzò un’estensione del disegno di Michelangelo tale che
la cupola non fu più visibile
1600
Michelangelo
Ripartì dall’idea di pianta
centrale di Bramante con
una struttura più articolata
1607
Carlo Maderno
1546
1300
1500
Donato Bramante
La sua chiesa a pianta centrale
si estende con una breve navata
per sembrare una croce latina
1538
Su richiesta della Chiesa
Romana disegnò una pianta a
croce latina e absidi sporgenti
Antonio da Sangallo
1520
Voluta dall’imperatore
Costantino, presenta pianta
longitudinale a croce latina
Raffaello
1516
San Pietro paleocristiana
333
Storia della Basilica di San Pietro
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lanterna
cupola
tamburo
Progetto di Michelangelo (una perfetta semisfera)
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La cupola (o “cupolone” come viene affettuosamente chiamata dai Romani) è la parte più
significativa della basilica e l’elemento caratteristico del panorama urbano.
Michelangelo ne diresse i lavori fino al completamento del tamburo.
Alla sua morte, nel 1564, Giacomo Della Porta
riprese il progetto (rialzando il sesto della cupola di 11 m) e terminò la costruzione, inclusa
la lanterna, nel 1590.
Come la cupola di Santa Maria del Fiore a Firenze, anche questa presenta una doppia calotta
ma è molto più scultorea di quella del Brunelleschi, grazie al cerchio di colonne binate che la
circonda, ai forti costoloni e alle finestrelle che
si aprono sulla calotta esterna.
Disegni di Giacomo Della Porta: la cupola è più alta di una semisfera
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Filippo Brunelleschi, cupola di Santa Maria del Fiore, Firenze, 1420-1436
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Michelangelo Buonarroti, cupola di San Pietro, Roma, 1547-1590
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La cupola ha un diametro interno di 42,56
m e costituì il modello per numerosissime
cupole sparse per il
mondo.
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